A influência de David Bowie é imensa, musical e socialmente.
Suas canções e as apresentações inovadoras trouxeram uma nova dimensão para a música popular do começo da década de 70, influenciando fortemente tanto suas formas imediatas como seu desenvolvimento posterior.
O biógrafo David Buckley escreve: “A essência da contribuição de Bowie à música popular se deve por sua notável capacidade de analisar e selecionar as idéias que estão de fora do mainstream—da arte, literatura, teatro e cinema—e trazê-los para dentro, de modo que o pop é constantemente alterado.”
A carreira de Bowie tem sido marcada por vários papéis em produções de cinema e teatro, o que valeu prestígio e independência como ator e alguns elogios por suas atuações.
Nesse podcast, Angélica Hellish e Marcos Noriega recebem na Masmorra o Júnior do Baú Pirata e Piracast, para conversar sobre algumas produções que contam com a participação do sempre camaleão David Bowie.
Seus sucessos e fracassos, conheça um pouco mais da carreira desse interessante cantor.
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Neste podcast Angélica Hellish, Marcos Noriega e Eduardo Cosso comentaram os espetaculares longas animados do mestre Satoshi Kon, falecido recentemente.
Satoshi foi um grande diretor de animação,talvez um dos melhores do Japão ao lado de Hayao Miyazaki e Katsuhiro Otomo foi também um roteirista brilhante que criou tramas tão intrigantes quanto bem resolvidas, enfim, um cineasta completo. Nesta postagem incluímos também a leitura da carta/testamento que Satoshi deixou para seus familiares, amigos e fãs.
Escute até o final, pois tem a nossa leitura da carta de despedida emocionante que Satoshi escreveu pouco antes de falecer. Esteja em paz, mestre!
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Aí galera!
Como somos grandes fãs de cinema asiático, não poderíamos deixar de fazer algumas indicações de alguns filmes bem sinistros pra vocês!
Neste podcast,eu Angélica Hellish e Marcos Noriega conversamos sobre grandes clássicos do terror japonês, coreano e tailandês que vocês conhecem talvez somente a versão hollywoodyana.Corram atrás!
Normalmente o original dá de dez a zero!
Os caras sabem fazer terror como poucos.
Essa arte linda aí do banner, é do amigo e colaborador Barão.
Neste podcast Angélica Hellish e Marcos Noriega falaram sobre o cineasta Alejandro Jodorowsky. Suas peças de teatro, filmes , quadrinhos ,inspirações, curiosidades.
A saga desse homem incrível, exemplo de vida e perseverança para todos nós.
Falando sobre o diretor: Alejandro Jodorowsky é um dos artistas precursores do que hoje se conhece como “multimídia”: Um homem de inúmeras facetas que desafia e extrapola todos os limites do espiritual na arte.
Diretor de cinema e teatro, ator, produtor, compositor, escritor, autor teatral, filósofo, humorista, especialista em tarô e reconhecido mestre dos quadrinhos; enfim, um personagem errante em busca da “iluminação terrestre”. Flertou com Bufiuel e após encontros com André Breton, escritor e principal teórico do movimento, passou a investir mais na potencialidade onírica da linguagem. No teatro, dirigiu peças de autores como Beckett, lonesco e Strindberg.
Em 1970 roda El Topo no México, um faroeste metafisico que causou furor na cena underground, se tornando um verdadeiro cult. A Montanha Sagrada (1973), a obra sobre a busca alquímica da Imortalidade. Condenado ao limbo durante anos, o filme voltou à tona mais tarde pela “descoberta” do cantor pop Marilyn Manson, que utilizou fragmentos da Montanha em seu video The Dop Show (1988) e aderiu, inclusive, aos principios da Psicomagia. Os estudos místicos de Jodorowsky o transformaram numa referência internacional, sobretudo a partir da reconstrução do Tarô de Marselha em 1998, juntamente com o mestre das cartas Philippe Camoin.
Sinopses de seus filmes, trailers e links para download:
A Gravata (La Cravate)Trailer
[Filme inédito no Brasil] França, 1957
Em 1957, Jodorowsky fez suas primeiras experiências no mundo das imagens em movimento filmando em Paris uma versão muda de um conto de Thomas Mann, sobre uma garota que vende cabeças. O filme, considerado perdido, foi recentemente encontrado na Alemanha.
Direção Alejandro Jodorowsky
Roteiro Jean Cocteau e Alejandro Jodorowsky Produção Denise Brosseau e Saül Gilbert
Elenco Raymond Devos, Marthe Mercure, Jean-Marie Proslier Duração 21minutos
Fando e Lis Trailer
México, 1968
Poesia lírica e imagens de beleza magnética são as constantes de uma história sobre o não-amor da humanidade, que se oculta mascarado atrás dos vincos doentios da hipocrisia. Banido no México, a carreira única de Alejandro Jodorowsky começa com esta bizarra história de inocência corrompida, amor sadomasoquista e paraíso inatingível. Criada a partir de memórias dispersas de uma peça de Fernando Arrabal, a alucinação sublime de Alejandro mostra o impotente Fando e sua namorada paralítica em busca da cidade encantada de Tar, onde o êxtase espiritual reside. A incrível viagem leva o casal ao caos urbano, desertos escaldantes, montanhas traiçoeiras; suas próprias lembranças e tudo que há de mais característico na obra autoral, provocativa e incendiária de Jodorowsky no início de carreira.
Direção Alejandro Jodorowsky Roteiro Fernando Arrabal e Alejandro Jodorowsky
Produção Juan López Moctezuma e Roberto Viskin
Elenco Sergio Klainer, Diana Mariscal, María Teresa Rivas
Duração 93 minutos
El Topo Trailer
México, 1970.
Envolto numa roupagem alegórica e repleto de cifrados simbolismos, o filme narra as andanças de um pistoleiro místico (EI Topo), interpretado pelo próprio Alejandro Jodorowsky, através do deserto do distante Oeste, numa epopéia surrealista na qual se superará em duelos para conseguir atribuir-se o êxito de ser a pistola mais rápida do Oeste. Um encontro cósmico profundamente influenciado pelas “obras pânicas”, este filme significou o tiro de saída ao circuito alternativo das Sessões Malditas propulsado pelo distribuidor Bem Barenholtz.
Direção e roteiro Alejandro Jodorowsky
Produção Juan López Moctezuma, Moshe Rosemberg e Roberto Viskin Elenco Alejandro Jodorowsky, Brontis Jodorowsky, Alfonso Arau, Mara Lorenzio
Duração 124 minutos
A Montanha Sagrada (The Holy Montain) Trailer
México, 1973
Jodorowsky interpreta o papel do “alquimista”, que reúne um grupo de pessoas que representam os planetas do Sistema Solar. Sua intenção é submeter o grupo a uma série de ritos de natureza mística para que se desprendam de sua bagagem “mundana” antes de embarcar numa viagem em direção à misteriosa Ilha de Loto. Uma vez na insula iniciam a ascensão à Montanha Sagrada para substituir os deuses imortais que em segredo dominam o mundo.
Direção e roteiro Alejandro Jodorowsky
Produção Alejandro Jodorowsky, Allen Klein, Robert Taicher, Roberto Viskin
Elenco Alejandro Jodorowsky, Horacio Salinas, Zamira Saunders,
Juan Ferrara
Duração 113 minutos
Tusk Trailer
França, 1980
(Filme inédito no Brasil)
A história se desenvolve na índia colonial, no seio de rica família inglesa. Ao mesmo tempo, nascem um elefante e uma menina. Entre ambos, se estabelecerá uma singular e misteriosa relação empática na qual nada nem ninguém nunca poderá interferir.
Direção Alejandro Jodorowsky
Roteiro Reginald Campbelly Alejandro Jodorowsky Produção Jean-Jacques Fourgeaud, Éric Rochaty Sylvio Tabet Elenco Cyrielle Claire, Anton Driffing, Serge Merlin, Christopher Mitchum, Michel Peyrelon
Duração 119 minutos
Santa Sangre Trailer
Itália/México, 1989
Fênix é um pobre moribundo que é internado em uma instituição mental. Através de flashbacks conheceremos o seu passado traumático marcado pela amputação dos braços de sua mãe, fanática religiosa e adoradora da seita da “Santa Sangre”. Fênix conseguirá fugir do hospital psiquiátrico e voltará a buscar a sua mãe, e começará uma sangrenta espiral de vingança.
Direção Alejandro Jodorowsky
Roteiro Roberto Leoni, Claudio Argento e Alejandro Jodorowsky
Produção Claudio Argento
Elenco Axel Jodorowsky, Slanca Guerra, Guy Stockwell
Duração 117 minutos
O Ladrão do Arco-Íris (The Rainbow Thief) Trailer
Inglaterra, 1990
(Filme inédito no Brasil)
Último filme de Alejandro Jodorowsky, é a história de Dima (Omar Sharif) e do Príncipe Meleagre (Peter O’Toole), dois personagens marginais que vivem nos esgotos, debaixo das ruas da cidade e que buscam o mítico pote mágico do final do arco-íris.
Direção Alejandro Jodorowsky Roteiro Berta Domínguez
Produção Johannes Weineck, Vincent Winter, Alexander Salkind y Pierre Spengler
Elenco Peter O’Toole, Omar Sharif, Christopher Lee, Francesco Romano, Jude Alderson, Brigitte Barclay Duração 90 minutos
Alguns podcasts que participamos: Angélica e Marcos Agenda Cultural #16 – Religião Política e… Hello Kitty? Angélica (arroz de festa do Hell…haha) participou de: Sexta Cast : Especial Sexta Feira 13 Parte 1 Rock 30 # 52 – O Retorno PROMOÇÃO MASMORRA CAST E TAVERNA DO OGRO ENCANTADO
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Mande pra gente,um audio(no máximo 3 minutos)falando sobre suas impressões sobre o Blog Masmorra Erótica e o nosso podcast.Você já assistiu um filme que foi indicação nossa? O nosso podcast é importante na podosfera? Seja criativo!
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Neste Podcast Angélica Hellish, Marcos Noriega, Polliana (Trindade Ovulante), Shana Shanshada (CineShanshada e Ay gente) e Barão (Red Baron Blues Blog) tentaram desvendar os segredos da mente bipolar de Neil Jordan. Afinal, não é todo dia que encontramos alguém que vê o mundo em extremos: ora há obras cinematográficas inigualáveis, ora filmes que nem mereciam ser citados. Não perca também o porquê de Stephen Rea estar em todos (ou quase todos) os filmes de Neil Jordan. Escutem e saboreiem a diversidade desse diretor.
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Filmes citados neste podcast (clique nos títulos para assistir os/as trailler/cenas)
Neste Podcast, Angélica Hellish, Marcos Noriega, Polliana (do Blog Trindade Ovulante), Rod Reis (do Mundo Rod podcast e podcast Papo de Artista) e sua adorável esposa, Priscila Perez, conversaram sobre a diversidade das relações entre o cinema e as artes, bem como a representação cinematográfica dos(as) artistas, de seus olhares tão peculiares quanto à realidade e seus conflitos. Claro que não há como citar todos os filmes sobre artistas, por isso, não percam a segunda parte dessa conversa no Papo de Artista em breve!
* Post atualizado! Clique aqui pra ouvir a continuação do podcast no Papo de Artista!
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Neste Podcast Angélica Hellish, Marcos Noriegativeram um bate papo muito interessante com Maurício SaldanhadoCabine Celular, do Mau Blogando (seu blog pessoal) e do Rapaduracast, podcast de cinema do site Cinema com Rapadura. Eles discutiram sobre a vida, sobre cinema alternativo e, principalmente, alucinaram com os filmes do diretor polêmico Franco-argentino Gaspar Noé. A conversa rendeu tanto que o podcast teve de ser divididos em duas partes. Não percam nenhum minuto e escute agora!
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Em seus filmes o cineasta aborda sexo, violência e vingança.
Ficou conhecido no Festival de Cannes (1991) com o sucesso de seu curta-metragem “Carne” (1991), que não é seu primeiro filme, sendo na verdade o curta “Tintarella Di Luna” (1985).
Após esses curtas, Noé ficou amplamente conhecido com seu longa “Irreversível” (2002), que conta com uma cena de estupro de aproximadamente nove minutos, que chocou muitos espectadores pela veracidade e crueldade da cena.
Porém, o filme que melhor representa a crueldade filosófica de Noé é “Sozinho contra todos” (I stand alone, em inglês). Pessimismo aliado à crueldade.
O açougueiro, protagonista do filme, e que tem o início de sua história narrado no antecessor “Carne”, é um sujeito com uma lucidez seca e anti-dramática, e com uma carga tão alta de agressividade que só podemos pensar que irá explodir a qualquer momento.
O filme é quase um monólogo da filosofia do Noé recitada pela boca de seu cruel açougueiro.
Ele não poupa o espectador de pensar sobre coisas embaraçosas, como a terrível falta de conexão entre as pessoas.
“Por que, afinal, os filhos mostram amor pelos pais?”, “Pode um pai ser amante de sua filha?”, “O único sentido da vida é foder”, lamenta o açougueiro considerando-se numa fase em que a realização do sexo é cada vez mais difícil.
Estes são os pensamentos centrais desse filme indigesto e imperdível!
Enfim, curtam o que Noé propõe!
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Alguns filmes citados nesse podcast: (Clique no nome para ver o trailer)
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Um pouco sobre a história do gênero comédia no cinema:
O filme cômico, que se caracteriza pela inclusão de gags, pilhérias ou brincadeiras, tanto visuais como verbais, começou sua existência praticamente no início desta arte. L’arroseur arrosé (O Regador Regado), de 1896, filme francês dos irmãos Lumière, é considerada a primeira comédia da história do cinema. Desde o começo, criaram-se filmes em que se mostravam imagens que alegravam ou faziam rir o espectador, ainda que fosse sem o acompanhamento do som. Nestas comédias, quase em sua totalidade americanas, utilizavam-se das perseguições, dos golpes, das quedas, das surpresas dos personagens, para conseguir a hilaridade do público. Era um cinema cheio de golpes com tortas, choques de automóveis, velozes perseguições policiais e inúmeras situações mais ou menos insólitas. Observam-se ali os protótipos do que sería o cinema de comédia.
A comédia muda teve origem no vaudeville, no café concerto, no music-hall e no circo. Os fatores externos, e não propriamente a personagem, eram os desencadeadores das situações inusitadas e sem sentido, dando graça aos instantes, sem qualquer preocupação, na época, com a continuidade narrativa.
Foi nos EUA, porém, que a comédia muda alcançou seu campo mais produtivo, haja vista o país estar passando, então, por um período de mudanças, pós-guerra civil, a caminho da democracia. As comédias abordavam temas rapidamente absorvidos pelo público, tais como a crítica às instituições convencionais: casamento, escola, ordem pública, numa forma de “criticar a si mesmos”. As comédias mostravam, portanto, roubos grotescos, flertes com a mulher do amigo, mentiras, marcando o surgimento do gênero nonsense.
Em 1909, Mack Sennett entra para a Biograph, companhia de David Griffith, atuando, no ano seguinte, em The Curtain Pole, inaugurando o slapstick (Pastelão) no cinema americano.
Em 1912, Sennett funda a Keystone, passando a produzir suas próprias comédias, criando sua marca registrada: as Bathing Beautes (em desconcertantes trajes de banho), que saltitavam em torno dos Keystone Copes (grupo de policiais). Criava-se, assim, o caos social no cinema.
Com o surgimento de Charles Chaplin, há uma grande mudança no cinema cômico. Inicialmente seu personagem ainda tinha a brutalidade dos personagens da Keystone, mas já com a sensibilidade proveniente da cultura inglesa, com um refinamento interpretativo que aos poucos vai se delineando até compor o personagem eternizado do vagabundo. O primeiro filme de Chaplin, para a Keystone, foi Making a Living (“Carlitos Repórter”), em 1914, mostrava-o com cartola, sobrecasaca e monóculo, numa cena mais lírica, beijando gentilmente a mão da atriz Virgínia Kirtley, mas ainda havia as cenas de perseguição, típicas da Keystone. Apenas em 1915, com os dois filmes feitos para a Cia. Essanay, The Tramp (“O Vagabundo”), e The Bank (“O Banco”/ “Ordenança de Banco”), Chaplin consegue delinear seu personagem. A triste alegria cômica seria marcante na arte de Chaplin, culminando em 3 grandes filmes: The Kid (“O Garoto”), de 1920, The Gold Rush (“Em Busca do Ouro”), de 1925, e City Lights (“Luzes da Cidade”), de 1931.
Surgem posteriormente 3 grandes cômicos do cinema mudo: Buster Keaton, Harold Lloyd e Harry Langdon.
Langdon retira de Chaplin a maneira de se vestir, mas apresenta maior suavidade na tela. Sob a direção de Frank Capra, produz seus próprios filmes: Tramp, Tramp, Tramp (1927), The Strong Man (“Um Homem Forte”) (1926), e Long Pants (“O Pinto Calçudo”) (1927).
Harold Lloyd era impulsivo, nervoso e arguto, compôs o personagem com ar inocente, óculos de aro de tartaruga, atraído pelo perigo. Não aceitava doublê para as cenas de perigo. Alguns exemplos são Safety Last (“O Homem Mosca”), de 1923, onde mostra sua habilidade em construir gags e o seu amor pelo perigo, e The Fresh Man (“O Calouro”), de 1925.
Buster Keaton, por sua vez, tinha o ar impassível e movimentos delicados. Estreou no cinema em 1916, fazendo pequenas comédias com Roscoe “Fatty” Arbuckle (“Chico Bóia”), e em 1920 começou a produzir seus próprios filmes. Entre seus filmes mais conhecidos estão Sherlock Jr (“Bancando o Águia”), de 1924, The Navigator (“Marinheiro por Descuido”), de 1924, e The General (“O General”), de 1926, quando utiliza a mecanização como forma de expressão.
Com o surgimento do som, poucos foram os cômicos do cinema mudo que sobreviveram. Chaplin tentou se adaptar com The Great Dictator (“O Grande Ditador”), em 1940, seu primeiro filme sonoro, mas após tal filme sua receptividade já não foi a mesma. Somente Stan Laurel e Oliver Hardy, em parceria desde 1927, ultrapassarm com sucesso a barreira do som.
Ronnie James Dio, nome artístico de Ronald James Padavona (Portsmouth, 10 de julho de 1942 — Houston, 16 de maio de 2010)
foi um vocalista de heavy metal. Ficou famoso por cantar em bandas como Rainbow e Black Sabbath.
Ronnie adotou o sobrenome “Dio” em homenagem a um mafioso italiano, Johhny Dio. Ainda na escola, formou com colegas a banda Vegas Kings que, após mudar de nome várias vezes (sendo chamada de Ronnie and the Rumbles, Ronnie and the Redcaps, Ronnie Dio and the Prophets, The Eletric Elves e The Elves), finalmente tornou-se conhecida como ELF.
Em meados dos anos 70 foi chamado para cantar no Rainbow de Ritchie Blackmore (ex-Deep Purple), onde gravou quatro álbuns. Após deixar o Rainbow, foi convidado pelo guitarrista Tony Iommi para ocupar o posto de vocalista no Black Sabbath, permanecendo com a banda até 1983.
No mesmo ano, lança um álbum solo, Holy Diver. Nele estão Vinny Appice, que também tinha saído do Sabbath e acompanhou Dio, seu antigo companheiro de Rainbow Jimmy Bain e o guitarrista Vivian Campbell (atual Def Leppard). Holy Diver foi muito bem aceito e deixou clássicos como a faixa-título, “Stand Up and Shout”, “Don’t Talk to Strangers” e a mais famosa “Rainbow in the Dark”.
Embalado com o sucesso, Dio solta mais um álbum em 1984 chamado The Last in Line. Também muito bem aceito pelo público e pela crítica, trazia a mesma fórmula de Holy Diver. Foi este álbum que levou a banda a uma enorme turnê mundial seguida do seu primeiro vídeo oficial. Os músicos são os mesmos do trabalho anterior, com adição do tecladista chamado Claude Schenell.
Em 1985 lança Sacred Heart , cuja turnê rendeu um vídeo ao vivo, Sacred Heart Live.
Em 1986 sai um EP ao vivo chamado Intermission com seis músicas onde as que se destacam são “King of Rock and Roll”, “We Rock” e “Rainbow in the Dark” e uma faixa inédita de estúdio “Time To Burn” apresentando o novo guitarrista Craig Goldie que substituiu Vivian Campbell durante a turnê de Sacred Heart.
Em 1987 é lançado Dream Evil, e Dio só volta a aparecer em 1990 com Lock up the Wolves. A formação da banda é totalmente diferente das passadas. Os músicos são Rowan Robertson (guitarra), Simon Wright (bateria), Teddy Cook (baixo) e Jens Johansson (teclados).
Em 1992 Dio volta ao Black Sabbath e grava mais um álbum chamado Dehumanizer. Neste mesmo ano sai uma coletânea intitulada Diamonds The Best Of com vários clássicos da banda Dio.
No ano seguinte, Dio lança Strange Highways, seguindo a mesma linha de Dehumanizer. Em 1996 sai Angry Machines, com uma banda composta por Tracy G (guitarra), Jeff Pilson (baixo) e Vinny Appice (bateria).
Vieram ao Brasil para tocar junto com Bruce Dickinson, Jason Bonham Band e Scorpions no final de 1997. Neste mesmo ano saiu uma coletânea chamada Anthology. Em 1998 sai um CD duplo ao vivo chamado Dio’s Inferno – The Last in Live, que traz clássicos como, “Holy Diver”, “Don’t Talk to Strangers”, “The Last in Line”, e “The Mob Rules” (homônima do disco do Black Sabbath), “Mistreated” (do Deep Purple) e “Catch the Rainbow” (do Rainbow) entre outras. Algo relativo à volta do Rainbow havia sido mencionado mas com a morte do baterista Cozy Powell, a notícia permaneceu apenas como boato.
Em 2000 lança Magica, um álbum conceitual que traz de volta o estilo clássico de Dio de compor, com letras sobre magia, dragões e bruxas. Sua banda contou com a volta do magnífico Craig Goldie (guitarra), o seu fiel escudeiro Jimmy Bain (baixo), Simon Wright (bateria) e Scott Waren (teclados). No final de 2001 Goldy decide deixar a banda alegando problemas familiares e para seu lugar é recrutado o guitarrista Doug Aldrich. Com novo line up, Dio entra em estúdio e em 2002 sai Killing the Dragon que procurou repetir a mesma forma do anterior porém com um pouco mais de rapidez e peso.
Em 2003 sai seu primeiro DVD oficial, Evil or Divine
e, em 2004, o último trabalho de estúdio, Master Of The Moon, que contou com o seguinte line-up: Ronnie James Dio no vocal, Craig Goldy na guitarra, Jeff Pilson no baixo, Simon Wright na bateria e Scott Warren nos teclados; porém, quem ocupou o posto de baixista na turnê foi Rudy Sarzo.
Em 15 de julho de 2006 Dio voltou ao Brasil, desta vez trazendo a tour Holy Diver Live em comemoração aos 23 anos de lançamento do clássico disco Holy Diver. U
Em 2007 reuniu-se com os antigos companheiros de Black Sabbath, Tony Iommi, Geezer Butler e Vinny Appice, para excursionarem na promoção do álbum Black Sabbath – The Dio Years. Neste álbum estão grandes clássicos como “Neon Knights”, “Die Young”, “Falling Off The Edge Of The World”, “The Mob Rules” e três músicas novas compostas especialmente para este disco: “The Devil Cried”, “Ear in the Wall” e “Shadow of the Wind”.
Esse é o ingresso que a Angélica guardou do show do Black Sabbath com Dio no vocal
Dio também ajudou a criar uma das maiores tradições do heavy metal. No documentário Metal – A Headbanger’s Journey
ele é citado como um dos inventores do “chifrinho” feito com as mãos, imitado por fãs do gênero no mundo inteiro. Segundo ele, o símbolo era usado por sua avó italiana, e servia para afastar (ou provocar) o “mau olhado”.
Para promoverem a coletânea os quatro se reuniram sob o nome Heaven and Hell para uma turnê mundial de um ano. Um dos shows em Nova Iorque da turnê é gravado e lançado sob o nome de Live From Radio City Music Hall, dando uma “geral” em toda a discografia de Dio com o Black Sabbath. Em 2008, é lançado um box set com toda a discografia de Dio à frente do Black Sabbath, chamado The Rules Of Hell, e os músicos anunciam que entrariam em estúdio para gravarem um novo álbum, batizado de The Devil You Know, lançado em abril de 2009.
Doença e morte:
Em 25 de novembro de 2009, Wendy, sua esposa e empresária, anunciou que ele havia sido diagnosticado com câncer de estômago.
Dio iniciou o tratamento com a doença ainda no estágio inicial e havia diminuído o número de show nos últimos meses.
Em 4 de maio de 2010, o Heaven and Hell anunciou que eles estavam cancelando todas as apresentações que ocorreriam no verão por causa da condição de saúde de Dio.
Dio morreu às 7:45 da manhã (horário local) de 16 de maio de 2010, de acordo com as fontes oficiais.
Wendy disse no site oficial de Dio:
“Hoje meu coração está partido, Ronnie morreu às 7:45 da manhã de 16 de maio. Muitos, muitos amigos e familiares puderam se despedir privativamente antes que ele fosse embora pacificamente. Ronnie sabia o quanto ele era amado por todos. Nós agradecemos o amor e o apoio que vocês têm nos dado. Por favor, nos dêem alguns dias de privacidade para lidar com esta terrível perda. Por favor, tenham certeza que ele amava vocês todos e sua música viverá para sempre”
—Wendy
Fonte: Wikipedia
Neste podcast,Angélica Hellish,Marcos Noriega,Polly Ana e João Paulo comentaram três ótimos documentários cada um,e ressaltaram a importância de assistir esse gênero cinematográfico que traz novas perspectivas sobre problemas que a Televisão não mostra. E aí…Qual é o seu preferido?Comenta!
contato.cinemasmorra@gmail.com
Bem Vindo à São Paulo
Direção: Leon Cakoff, Wolfgang Becker, Renata de Almeida, Kiju Yoshida, Mika Kaurismäki, Phillip Noyce, Caetano Veloso, Jim McBride, Hanna Elias, Maria de Medeiros, Ming-liang Tsai, Ash, Mercedes Moncada, Andrea Vecchiato, Amos Gitai, Daniela Thomas Brasil-Brasil
Direção:Robin Denselow Ano:2007 Home – O mundo é nossa casa
Direção: Yann Arthus-Bertrand – Ano: 2009
Citados no podcast:
Reel Bad Arabs – Como Hollywood Vilificou um povo
Maria Bethânia – Música é Perfume
“O vídeo documentário como instrumento de mobilização social “
Por Vanessa Zandonade e Maria Cristina de Jesus Fagundes
O documentário surgiu da característica original do cinema de registrar os acontecimentos cotidianos das pessoas e animais. As primeiras evidências históricas, enquanto gênero cinematográfico, surgiram com o norte americano Robert Flaherty, o qual acompanhou a vida dos esquimós do norte do Canadá de 1912 a 1919 e lançou o filme Nanouk, o esquimó, em 1922.
Diante da realidade brasileira, em que há um elevado grau de analfabetismo e baixo poder aquisitivo da maioria da população, o acesso à cultura e ao conhecimento, de um modo geral, torna-se `privilégio’ de poucos. A percepção dos acontecimentos da sociedade como um todo, provém, principalmente, dos meios de comunicação de massa.
A apatia da maioria da população frente aos acontecimentos diários transmitidos via mídia televisiva, deve-se à falta de compreensão das realidades veiculadas. Sem clareza das idéias, apáticos com relação aos problemas e sem a compreensão dos fatos, os membros das comunidades não conseguem se organizar em busca de melhorias. Dessa forma, desencadeia-se um processo de estagnação social, no qual os fatos são absorvidos sem nenhum questionamento. O jornalista Michael Kucinski, ressalta no livro Conceitos de jornalismo, os problemas acarretados pelos noticiários. Segundo ele: “Schulz critica as reportagens qualificando-as de superficiais e desprovidas da preocupação de assinalar as tendências fundamentais e os contextos mais amplos.”
O documentário deve promover a integração entre os membros da comunidade retratada e desenvolver a cooperação entre eles, de forma a enriquecer os conhecimentos individuais e coletivos. Possibilita ainda ao jornalista especializado no gênero, a oportunidade de dedicar-se aos fatos do cotidiano, os quais envolvem todos os tipos de pessoas, independente da raça, cor, religião, ou posição social que exercem e não considerar os “furos” de reportagem como prioridade de produção.
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